Three years have passed since we participated in CoSECiVi 2018, and we still have a beautiful memory of that experience. At that time, our research was still in its infancy, undergoing great changes that would affect in one way or another the content of our contribution to the congress. We titled this contribution Game performance: cuestionamiento del videojuego como pieza cerrada e inalterable, which sought to investigate the ability of players to create an art form in the world of video games, a new content that is not nor represented by the company nor contemplated in the analyzes of the specialized press. Since then, we have tirelessly continued to develop the thesis, overcoming major obstacles that prevented carrying out the study; now that we are at a very good point in the research process, we believe that we should return to the subject and submit it to a discussion with the scientific community; with this, we hope to answer the questions that will remain open and unresolved.
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Nuestra investigación se lleva a cabo en el Programa de Doctorado en Bellas Artes por
la Universidad Complutense de Madrid, y está dirigida por Dr. D. Jaime Munárriz
Ortiz, Dra. Dña. Lara Sánchez Coterón y Dr. D. Antonio J. Fernández Leiva; aunque, no
está mal indicar que, el estudio lo iniciamos a finales del 2016 en el Programa de
Doctorado en Creación e Investigación en Arte Contemporáneo por la Universidad de Vigo.
Concretamente, nos dedicamos a relacionar los videojuegos con el arte de performance,
tratando de ofrecer una nueva visión de los jugadores y su actividad en el gameworld.
Para lograrlo, partimos de un conjunto de obras producidas por artistas de Bellas Artes
y tipificadas en el game art: un género perteneciente al new media art, originado en el
campo del arte alrededor de los años 90 [
Por ejemplo, Invader es un artista urbano de nacionalidad francesa que viaja por el
mundo intentando invadir el espacio público con su trabajo; entre algunas de sus obras,
podemos encontrar personajes tan icónicos como Mario, Sonic o Mega Man, los cuales
son representados con baldosas de cerámica. La obra de Invader es tan relevante en el
campo del arte que, se desarrollaron exposiciones de su trayectoria artística; un ejemplo
de ello es, “Hello my game is…” (Del 26 de enero hasta el 03 de septiembre de 2017,
París, Musée en Herbe). En dicha exposición, la primera sala tiene el propósito de
introducir al público en el trabajo del artista, mostrando los videojuegos que influyeron
al artista en su niñez. Así mismo, se expusieron piezas hechas por el artista con baldosas
de cerámica (Fig.1) inspiradas en títulos del mismo contexto histórico. Seguidamente,
se nos muestran en las siguientes salas trabajos realizados alrededor del mundo y
registrados en la página web del artista [
A diferencia de Invader, otros artistas –del game art– exploran las posibilidades del
medio, a partir de modificaciones en el algoritmo; para entender esto, debemos revisar
las ideas de Lev Manovich en su libro El lenguaje de los nuevos medios de
comunicación: la imagen en la era digital [
Además de modificar la estética audiovisual, los artistas de game art también generan nuevo contenido en el juego al proponer objetivos. Por ejemplo, Angela Washko es una artista estadounidense que, entre otros proyectos, llevó a cabo The Council on Gender Sensitivity and Behavioral Awareness in World of Warcraft a principios de 2012, con el propósito de discutir sobre feminismo con los demás jugadores de World of Warcraft. En contra del lenguaje sexista de algunos usuarios, la artista exploró las principales ciudades de World of Warcraft, para realizar una serie de performances y protestar en contra de dicho lenguaje. En vez de seguir los objetivos del videojuego y cumplir las misiones, Angela Washko, se apropió del sistema lúdico y organizó sus propios objetivos como jugadora, logrando incluso desestabilizar la partida de otros. En este sentido, la artista nos muestra como los jugadores mantienen su propia conciencia mientras se relacionan con el juego, y como esa conciencia se relaciona con el diseño predeterminado del juego. La artista mantuvo largas conversaciones con otros jugadores, siendo documentadas y reproducidas en diferentes eventos; también desarrolló las performances en riguroso directo, mientras mantiene una conversación con otros jugadores.
La última tendencia, enumerada por Stockburger, corresponde con la creación de
videojuegos artísticos, que autores como García Martín [
Partiendo de las ideas expuestas en la introducción, se puede entrever que, no tenemos la intención de aplicar el lenguaje matemático. No tenemos el propósito de emplear la visión cuantitativa, a causa de no utilizar dicha perspectiva en Bellas Artes y no estar familiarizados con ella. Aclarado esto, los procedimientos metodológicos del presente documento están relacionados con las ciencias históricas, en cuanto a la exploración de fuentes documentales y el análisis de dichas fuentes. Desde este enfoque, tenemos la intención de revisar las ideas que expusimos en el V Congreso de la Sociedad Española para las Ciencias del Videojuego (CoSECiVi 2018), bajo el documento Game performance: cuestionamiento del videojuego como pieza cerrada e inalterable, para atar todos los cabos sueltos y responder a las preguntas sin resolver. 3
El V Congreso de la Sociedad Española para las Ciencias del Videojuego se celebró el 25 de octubre de 2018 en Granada, como parte del XVIII Conferencia de la Asociación Española de Ingeniería Artificial. En dicho congreso, nos reunimos varios investigadores de diferentes disciplinas, desde las Humanidades a la Ingeniería, para promover la reflexión de problemáticas relacionadas con el mundo de los videojuegos. Al participar un público ajeno a Bellas Artes, el carácter multidisciplinar de dicho congreso supuso uno de los principales problemas de nuestra participación; y es por ello que, el presente documento intenta encontrar una solución e introducir al lector en el contexto en el que se desarrolla nuestra investigación, para generar sinergias y facilitar futuras colaboraciones.
Para obtener feedback, creemos conveniente contextualizar el campo donde se realiza nuestro estudio. En nuestro contexto, no se emplean técnicas estadísticas, matemáticas o computacionales para recabar información; e incluso, algunos profesores pueden desaprobar un proyecto científico por tratar los videojuegos como objeto de estudio. Los doctorandos deben lidiar con la difícil tarea de formar un equipo de trabajo eficiente; por el contrario, las consecuencias pueden ser nefastas. Antes de formar equipo con los candidatos, aconsejamos averiguar si clasifican el arte en alta y baja cultura; y una vez formado, aconsejamos no exigir la realización de una metodología cuantitativa a dichos 1 Tabacalera Cantera tiene el objetivo de reunir a diferentes artistas en un mismo espacio, durante un mes, para producir obra y mostrar el proceso creativo a un público variado; el proceso para seleccionar a los artistas se originó en la exposición “Huérfanas, colonizadas, bastardas. Prácticas artísticas en conflicto” en julio de 2015. Tabacalera Cantera es un proyecto gestionado por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte junto con la Universidad Rey Juan Carlos. sujetos, ya que la formación académica del alumno o profesor de Bellas Artes no está orientada bajo el lenguaje matemático. Dichos individuos están familiarizados con la creación artística en el taller, por lo que recomendamos animarlos a experimentar con videojuegos, para recopilar imágenes, textos y experiencias performativas que nutran al documento final del trabajo académico. Si seguimos estos objetivos, los sujetos aportarán una gran influencia al grupo, y sobre todo, a la investigación.
Por otra parte, la manera de definir la performance en 2018 resultó muy poco acertada. Para comprender dicha definición, el lector no solo debe pertenecer a Bellas Artes, también debe conocer la práctica artística en profundidad; y es por esta razón que, descartamos la definición del 2018 y planteamos una nueva en el presente escrito. Concretamente, entendemos por performance una forma de arte con carácter lúdico y político, diseñada por un artista para presentar a un grupo de personas en un espacio cualquiera (plaza, aula, restaurante, discoteca, autobús, etcétera). Este tipo de obras intentan promover la reflexión de una problemática muy particular, a partir de la participación y el juego; compartiendo características con los videojuegos. A nuestra manera de entender una performance, la actividad puede ser ejecutada por el propio artista u otro individuo al cual se le asigna los designios del creador; lo que nos lleva a pensar que, el cuerpo (y espacio) en el arte de performance puede ser tanto real como virtual/digital, siendo el avatar de un videojuego un ente al cual podemos asignar nuestros propios objetivos y crear arte en el gameworld. También es necesario aclarar que, una performance puede realizarse con o sin público, como podemos ver en el trabajo de Vito Acconci, Marina Nuñez, Marina Abramović, Rebecca Horn o Raúl Díaz Obregón, que registraron con una cámara de vídeo u otro medio sus trabajos para ser expuestas en Internet o en un museo y galerías de arte. ¿Quién participa como público en una performance? Los Performance Studies no suelen especificar qué tipo de público participa en una performance, por lo que pueden pertenecer al mundo real o al mundo virtual/digital; sin embargo, no podemos considerar los PNJs como público, porque estos personajes no tienen la capacidad de reflexionar en torno a la idea que transmite el jugador-artista.
Además de los puntos señalados hasta este momento, al no tipificar la game
performance en 2018, no llegamos a señalar nuestro interés por: los trabajos realizados dentro
del videojuego. En pocas palabras, la game performance es una forma de arte vinculada
al arte de performance, que agrupa obras ejecutadas dentro del gameworld (in-game
performance) o fuera del mismo (real-life performance) [
¿Por qué nos interesa la in-game performance? Porque creemos que amplía la
definición del videojuego hacia un arte donde los jugadores participamos en él de manera
activa; en este sentido, el jugador puede utilizar el diseño prestablecido por el diseñador
y seguir su propio discurso, hasta el punto de modificar la estética visual y/o sonoro del
videojuego, lo que comúnmente se conoce como glitch. Para nosotros, el glitch adjudica
un nuevo significado al videojuego que cuestiona los viejos medios como piezas
cerradas e inalterables. El glitch tiene un valor artístico altísimo, ya que nos permite entender
que, los jugadores no son sujetos pasivos en la obra, sino que participan activamente en
ella, logrando formar una obra nueva, un nuevo videojuego. Posiblemente, muchos
lectores se están realizando la siguiente pregunta: ¿cómo identificamos a un artista de
performance dentro de un videojuego? Para responder a dicha pregunta, creemos
conveniente tipificar el perfil que define al artista de performance, una persona de carácter
anarquista que intenta desestabilizar el statu quo a través de su arte y a través de su
particular forma de vida. Con esta definición, podemos explicar de manera sucinta que,
el jugador-artista tiene la intención de explorar en su totalidad el mundo virtual/digital,
aprender todas las normas del sistema lúdico y, una vez hecho esto, desestabilizar el
contenido del juego o la partida de otros jugadores para transmitir un mensaje político.
De hecho, mantenemos la definición que planteamos en CoSECiVi 2018:
El game performer es una persona o grupo de personas que ejecutan una
acción artística sumergido/s en un videojuego. Existen múltiples diferencias
entre jugador y game performer; sin embargo, la principal diferencia es ser
conscientes del hecho artístico. Un suceso que cuestiona la representación
predeterminada del videojuego, la autoría del mismo y la desacralización de
la obra artística. El objetivo del game performer, entre muchos otros, no es
superar la pieza, sino más bien extender sus dominios. Una postura que nos
hace repensar el propio cuerpo, tiempo y espacio del usuario, así como, entre
otras cosas, superar la falsa creencia de capturar y enlatar la experiencia
efímera del jugador/game performer. Una experiencia que trasciende los
límites impuestos por parte de los medios de comunicación, las instituciones o
incluso por la propia industria de videojuegos. [
Aparte de todo lo señalado en el II apartado del documento, se trató de una manera un tanto imprecisa el concepto de interactividad e interacción. La primera consiste en la comunicación entre el jugador y la videoconsola, y la segunda reside en el diálogo entre el jugador y todo el contenido audiovisual del videojuego. La primera se da en el mundo real y la segunda se da en el mundo virtual/digital. Ambos conceptos, tanto interactividad como interacción, se influyen mutuamente en el transcurso de la partida, incentivando la participación del público en la obra. Bajo nuestro punto de vista, creemos que, la intervención del jugador en el videojuego nos lleva a definir al videojuego como:
Una representación que espera ser manipulada por un sujeto, sin la
intervención del usuario el propio videojuego perdería su propia ontología. El
espacio virtual [y digital] se convierte en otra cosa; un objeto perdurable en el
tiempo, cerrado e inalterable, más cercano a la obra clásica y al artista como
un ente especial. [
Cuando el jugador no participa en la obra, los videojuegos se relacionan con el coleccionismo. Ya no se trata de una vivencia en un mundo imaginario. El videojuego se transforma en un objeto perdurable en el tiempo, una escultura apoyada sobre una estantería. Entre libros, el videojuego pierde sus múltiples cualidades que lo definen como un arte interactivo; desde ese momento, solo podemos observar y admirar su belleza. Nos sorprende tanto el buen hacer de los diseñadores que, intentamos conservar la obra; y a pesar de que esto se intente lograr, es necesario señalar que, la experiencia lúdica es efímera.
Por último, consideramos que, las nuevas tecnologías no renuevan la performance,
más bien mejoran su definición bajo otras ideas del cuerpo, tiempo y espacio. En este
sentido, la in-game performance es una práctica que envuelve al artista en un mundo
virtual/digital con sus propias leyes espaciotemporales, donde el artista “no está frente
a la obra, sino en la obra, nos movemos dentro de ella.” [
Después de corregir el documento que realizamos para CoSECiVi 2018, consideramos un descuido por nuestra parte, no tratar de contextualizar el campo donde se desarrolla el estudio; en este tipo de congresos, se reúnen varios investigadores de diferentes disciplinas y no todos ellos están relacionados con Bellas Artes, lo que puede resultar de gran dificultad tratar de explicar ciertos términos vinculados al campo del arte. De hecho, al no definir algunos términos de especial relevancia, el público puede no comprender nuestras conclusiones; y al mismo tiempo, el contenido de la tesis doctoral. Por tanto, hemos intentado enmendar los errores del pasado en el presente texto, tratando de explicar qué técnicas evitamos en Bellas Artes para recabar información y cuál es el interés del profesorado por los videojuegos. De este modo, informamos al lector de la tendencia de algunos docentes en separar el arte en alta y baja cultura; y por otro lado, se recomienda cooperar con alumnos y profesores de Bellas Artes desde la visión cualitativa, para recopilar imágenes, textos y experiencias performativas.
Otro punto a tener en cuenta es la definición del arte de performance, que mostramos en el presente documento. Gracias a dicha definición, nos queda claro que, los jugadores pueden utilizar el sistema prediseñado por la compañía y ejecutar una actividad con carácter lúdico y político dentro del gameworld, para transmitir un mensaje a los demás jugadores en contra de un tema muy concreto. Queda claro que, para darse este tipo de actividades, nos referimos a videojuegos multijugador online, donde nos reunimos múltiples jugadores e interaccionamos entre nosotros. También aclaramos que, los PNJs no podemos considerarlos como parte del público, porque no tienen la capacidad de captar el mensaje que desea transmitir el artista.
Además de los puntos señalados, el arte de performance relacionado con el mundo de los videojuegos se denomina game performance, que agrupa un tipo de obras desarrolladas dentro y fuera del gameworld. Teniendo en cuenta estas dos formas de presentarse, tipificamos la game performance en in-game performance y real-life performance, en base a las ideas de Clarke & Mitchell en el libro Videogames and Art; y del mismo modo, seguimos las ideas de ambos intelectuales para clasificar a su vez la game performance dentro del game art. Este último es explicado en la introducción del presente documento, para dar a conocer un tipo de pinturas, esculturas, fotografías, instalaciones… que utilizan los videojuegos desde la apropiación de elementos audiovisuales, la exploración del sistema lúdico o la creación de un videojuego con un fuerte carácter artístico.
Seguidamente, aclaramos que, nos interesa la in-game performance por su capacidad de definir a los jugadores como seres vivos sumergidos en datos algorítmicos, que utilizan el sistema lúdico bajo sus propios intereses. Desde este punto de vista, el jugador puede utilizar el diseño prestablecido por la compañía y seguir su propio discurso, hasta el punto de crear glitches en el espacio-tiempo del videojuego. Al mismo tiempo, la in-game performance, nos ayuda a tipificar una clase de jugadores de carácter anarquista que intenta desestabilizar los designios de la compañía o ciertos aspectos de la sociedad actual.
Por otra parte, tratamos de reelaborar nuestras ideas acerca de interactividad e interacción; lo que nos lleva a pensar que, ambos conceptos, se dan en una partida influyéndose mutuamente e incentivando la participación de los jugadores. Dicha participación, nos lleva a afirmar que, el videojuego nos muestra una imagen audiovisual que necesita de la participación del público para existir; en caso contrario, sin la participación de los jugadores, el videojuego pierde sus múltiples cualidades como arte interactivo, se convierte en una escultura apoyada sobre una estantería.
Para terminar, planteamos la posibilidad de sumergirnos dentro del videojuego; y con ello experimentar en primera persona nuevas leyes espaciotemporales que sitúan al jugador en el epicentro del gameworld. Gracias a lo cual, podemos entender que, el jugador puede crear arte con su propio cuerpo virtual/digital; y al mismo tiempo, corroborar que, los jugadores podemos crear arte de performance dentro del videojuego.